Entrevista Andrés Berrio

ANDRES BERRIO

"El arte es tan grande que acaba de salvar al mundo de una locura total"

De pequeño ya dibujaba, manejaba bien la plastilina. Así fue creciendo el amor por el arte y más o menos a los 11 años unos familiares, al ver lo que Andrés hacía le dijeron a su madre que había que meterlo a bellas artes para no dejar pasar el talento, que era mejor hacer algo que no hacer nada. Así empezó la carrera de Andrés Berrio cuyas inquietudes artísticas formaron parte de su día a día, entre el colegio y el deporte. Diferentes causas lo llevaron lejos del arte por varios años pese a mantener el gusto, dice con melancolía que las personas lo tiraron pero también fueron las personas quienes lo levantaron y lo hicieron retomar el camino. 

¿Algún artista inspiró tu obra?

En Colombia no teníamos acceso a las obras de grandes artistas, no había esa facilidad, las
veíamos en libros o estampas. Mi admiración siempre fue Salvador Dalí y sobre todo Velázquez
por su fuerza en la pintura, por lo que él mostraba y yo quería lograr esa sensación que él genera y
de Dalí me gustaba la parte surreal, que yo también busco. Es bonito encajar esas partes de la
conexión artística que tenemos los artistas con otros, que inclusive no están en la misma época o
plano que nosotros, pero la conexión está ahí y se puede llamar inspiración, referente, fluidez…
Uno como artista siempre tiene alguien a quien admira, en el que quiere cimentarse.

¿Tienes alguna anécdota que te haya marcado mucho a ti o tu carrera?

Un día yo pasaba por una librería y en el mostrador había un libro enorme de Velázquez pero era
muy costoso y yo apenas trabajaba, era un muchacho, pero yo dije: voy a luchar por comprarlo. El
día que lo compré fue maravilloso porque yo no podía creer que tenía ese libro en mis manos,
recuerdo cómo lo empecé a leer y estudiar… Hoy en día lo conservo como uno de mis mayores
tesoros. Y luego pude visitar Europa, uno de mis grandes anhelos era visitar El Prado porque sabía
que ahí estaban los cuadros de Velázquez, cuando llegué a su obra yo ahí mismo me puse a llorar,
yo no me podía detener y hasta me agaché, no podía creer que aquel muchacho que había
luchado por comprar un libro de Velázquez, en ese mismo momento estaba contemplando las
obras en vivo. Fue una sensación muy muy bonita, sentí una conexión muy fuerte.

““En la actualidad estamos más preocupados por mirar afuera pero nos olvidamos de conocer el inmenso universo que hay dentro de nosotros”

 

¿Tienes un autoconcepto de tu trabajo?

Pasar mucho tiempo solo, donde sea que esté, pero solo y luego salir afuera y dedicarme a observar. Sé que puede ser molesto porque al menos en Países Bajos la gente se extrañaba. Imagínate: viví en un pueblo pequeño, salía a andar en bicicleta y me detenía frente a sus puertas, ventanas entonces les extrañaba. Pero siempre mi proceso ha sido observar.

Hubo un punto de mi vida en el que me di cuenta que cuando empiezas a sentirte cómodo ya nada te sorprende, ya nada te impacta. Yo necesito salir e impactarme con algo nuevo, renovarme, y luego regresar a casa y dibujar lo que venga, así es como funciona mi trabajo.

¿Has dado clases o talleres?

Cuando entré a la academia con el maestro Julio Londoño él me convierte en el segundo al mando, me gané un puesto ahí y estuve trabajando al lado de él. A los chicos que entraban él me mandaba a darles pintura, dibujo, yo fui su guía al principio y fue muy bonito porque la academia cogió una fuerza más grande, quizá por el amor con el que se hicieron las cosas. Yo no era “profesor” pero ellos me entendían, yo les resolvía sus dudas… Al final del día lo que yo busco con mis alumnos es que ellos se encuentren, porque es muy triste ver pasar gente con talento pero anulados porque no se ven, no se encuentran. Yo les digo que no quiero que pinten como yo, quiero que pinten como ellos, me interesa más que cada uno se encuentre como ser a que lo haga en otros. 

 

“Yo le digo a los alumnos que el arte es tan lindo que incluso los maestros
después de muchos años de muertos siguen enseñando”

 

¿Cómo definirías el arte?

Es tan subjetivo pero como lo veo, es la única forma que yo tengo para poder expresar mi mundo
interior a través de un color en una tela, a través de una figura, a través de eso que yo siento que
tengo dentro de mí y lo quiero hacer vivo. Es esa herramienta que hay entre la parte espiritual y
cuerpo, que quiere sacar algo y lo convierte en arte… Eso que yo quiero expresar y con palabras no
se me da, pero con estas manifestaciones lo puedo hacer visible.

¿Cómo te ha tratado el mundo del arte?

Yo vivo en un país donde hay muchos artistas pero a la vez hay mucho egoísmo. Me ha tocado
sufrir discriminación de otros colegas, rechazo por personas y al mismo tiempo otras me
felicitaban por mi trabajo; uno aprende a convivir porque así es este mundo. Es muy competitivo
también, pero puede llegar a ser una competencia desleal. Por otro lado uno va buscando
oportunidades de exponer, galerías etc y es muy difícil, a veces es más fácil encontrar valoración
desde afuera que en su propio país.
Por eso no soy alguien que sus pinturas cuenten una historia complicada o una historia obvia, me gusta hacer cosas más universales, de hecho muchos de mis personajes son animales eso ayuda muchísimo porque la gente no lo relaciona con una persona en sí, pueden ponerlo en su historia.

¿Qué es lo que más disfrutas de pintar?

El día que yo digo: hoy me enamoré de lo que hice, hoy veo con ojos distintos lo que hago. Porque a veces vemos muy bonito el trabajo de los otros y con nosotros mismos somos muy duros, y una vez que yo estoy realmente satisfecho con lo que hice así me digan lo que me digan los demás no importa, le está gustando a la persona más importante que soy yo. Es la aceptación, es mostrarle al mundo este soy yo.

¿Cómo pones los títulos a tus piezas?

Mi sentir es raro, yo no soy tanto de mirar afuera sino de mirar adentro entonces juego mucho
con la escena, con las poses y lo que va surgiendo. Por ejemplo hay uno que se llama “Paísdemia”
es uno de los últimos que hice y son cinco mujeres en los riscos que yo hago, con rejas al fondo y
le puse ese nombre por lo que estaba sucediendo a nivel mundial con una pandemia pero el
problema no es solamente la pandemia sino lo que se convierte tu país a raíz de. Eso sí, siempre
acabo primero la pintura y al final el nombre, según lo que me pidan las obras, hay algunas que
aún no tienen, aparte tiene que ser algo que vaya con la obra pero que no la cuente sólo con el
título, que no sea una repetición.

Veo muchas personas diferentes en tus cuadros, ¿suelen ser personas que conoces o desconocidos?

Es curioso por mi forma de trabajar también, hago muchos desnudos y en algunos casos yo hago
las figuras pero como no puedo pretender desnudar a todo el mundo, yo le digo a alguien “¿tú me
prestarías tu rostro para ponerlo en este desnudo?” y como yo ya tengo el cuerpo y pido permiso
así salen mis obras. Pero ahora que lo mencionas sí me gustaría pintar a todas las personas que
quiero, me parece que es más mi esencia.

 

 

Para Andrés lo más importante es haberse encontrado a sí mismo y poder mostrar lo que él ve y siente, como si tuviera una pantalla por dentro y luego pudiera mostrarla al exterior para que los demás lo vean también y es ese mismo autoconocimiento lo que le permite establecer vínculo con otras personas o formar una conexión artística que se da entre los artistas, inclusive con los que no están en la misma época o plano, pero la conexión está ahí y se puede llamar inspiración, referente, fluidez…

 

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 20 de Marzo del 2023

Entrevista Silke Wolff

Silke Wolff

"Silk pop art opens a metaphysical cosmos for You"

Joy, originality and audacity are related to the color yellow, the hallmark color that we will find in Silke Wolf´s work. In the same way we could describe her works, they are an explosion of colors and sensations, wich makes it impossible not to be attracted by the aura that surrounds these paintings.

 

Why painting as a means of expression?

I studied drawing and transportation (car), and product design at the best international University (Art Center college of design (Europe). So the tools for expression were there, when I was ready to go public with my metaphysical experiences. These astonishing perceptions I want to share.

 

If you could describe your work with 5 words or a single sentence, what would It be?

silk pop art opens a metaphysical cosmos for You.

 
Meta jungle
Silke Wolff

For many artists, there's a key moment in their life, that moment when they fell in love with art, when they saw something that motivated them to start, do you have one?

My first exhibition of all, in Wilhelm Hack Museum, Ludwigshafen, Germany.

 

For you, art is...

Art can widen one’s horizon.

 
Silke Wolff

What do you think of the art world?

The art world seems like wilde west to me. Everyting is possible, and the opposite too.

 

Do you dream of exhibiting in a specific place?

On ISS space station.

 

Has the pandemic had an impact on yur work? How was that time for you?

I composed and concepted a 15 song musical called “wide mind”. It is about the aura.

 
 
Silke Wolff

Where does your inspiration come from?

For my cycles “Meta”, “Supra” and “Para” my inspiration comes from my broad consciousness.

 

From your entire catalog, do you have a favorite piece?

Always the one I just work on. Next the one which sells. Third the one which widens one’s horizon and I learn about it.

 

How would you like to be remembered in the future?

As a diligent pop art, mediumistic, surreal female artist.

 
 
Silke Wolff

 

 

 

Silke proudly displays the pieces she makes, and always with a smile on her face. Her personality is reflected in each circular, curved, neon tone and overlapping shapes, because as they say: you create yourself as you are.
 

 

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023

Entrevista Laura Diz Chaves

LAURA DIZ CHAVES

"El arte en general es bastante egoísta, porque cada vez te va pidiendo más"

Laura habla sobre el arte con una voz llena de temple, dice que la pintura es una necesidad, es algo que no puede dejar de hacer y que cada día le pide más. Luego remata con esta frase: “Se dice que el arte y en mi caso la pintura, pero el arte en general es bastante egoísta, porque cada vez te va pidiendo más, más de uno, más tiempo y uno va tomando conciencia de esa necesidad que cada vez es mayor”. 

¿Cuál es tu historia con la pintura, cómo comenzaste a pintar?

Yo empecé hace mucho tiempo de chica, me gustaba dibujar cuando era adolescente, me iba al parque y dibujaba las esculturas y lo que veía. Tengo una anécdota sobre esto: cuando era niña mi madrina me trajo de un viaje de Europa una caja de lápices que en Argentina en ese entonces no vendían y para mí era -el regalo-, yo fui la más feliz del mundo con esos lápices. Siempre me interesó dibujar, y de hecho de mayor trabajé en museos, he estado relacionada con el mundo del arte. Luego empecé a hacer talleres, fui a bellas artes en Buenos Aires y de ahí siempre para adelante, busqué seguir creciendo.

¿Qué técnicas utilizas y por qué?

A lo largo del tiempo he probado varias, no todas, pero muchas porque si bien en la escuela de Bellas Artes te lo sugería, siempre he creído que es probando como encuentras la técnica que más te gusta y con la que te identificas, es como en todo hay materiales que quizá sean más nobles o uno se identifica más con ellos pero te diría que en general lo que más utilicé y que me gusta más siempre fue óleo pero de un tiempo a la fecha soy una apasionada del dibujo, amo el carboncillo, el grafito, la tinta… Me gusta trabajar mucho sobre papel, si bien a veces es más complicado porque es más fácil trasladar un lienzo que un papel.

“Uno es -y pinta- según el contexto”

 

Eres argentina radicada en México, ¿dirías que cada lugar te aporta una inspiración diferente?

Totalmente, creo que de cada lugar uno percibe algo diferente, ¿no? Por su cultura, su historia, su gente… En realidad su identidad, a pesar de que tanto en México como en Argentina tengamos el mismo idioma, el español, pero es muy diferente por todo lo anterior y creo que uno todo eso que absorbe lo transmite en la obra de una manera diferente.

Uno es según el contexto y el hecho de irte a vivir a otro país, te modifica bastante, y te diría que si bien en mi caso tengo una temática con la que pinto, la manera en la que trabajo es diferente estando en Argentina que en México, se identifica que es la hora de la misma persona, pero se percibe algo diferente.

Hubo un punto de mi vida en el que me di cuenta que cuando empiezas a sentirte cómodo ya nada te sorprende, ya nada te impacta. Yo necesito salir e impactarme con algo nuevo, renovarme, y luego regresar a casa y dibujar lo que venga, así es como funciona mi trabajo.

¿Te has inspirado en la obra de otro artista o te ha influenciado de alguna manera?

No sé si me he inspirado, pero muchas veces tenemos nuestros referentes y el hecho de estudiar arte te hace ver diferentes artistas, algunos me gustaron más que otros y algo curioso es que en ocasiones no te gusta mucho como trabaja un artista, pero cuando empiezas a entender la historia de su vida y la historia de la pintura vas comprendiendo su obra. Si tuviera que decir algunos referentes diría que he tenido muchos por ejemplo Rembrandt, Sorolla, Picasso, entre muchos otros, he tenido momentos en los que quise trabajar algo más geométrico pero al final me decanté por lo abstracto, fui trabajando sobre lo que hay en mí como persona, lo que hay dentro de Laura.

 

“Luchas contra la tela, te peleas con el papel pero luego puede ser maravilloso lo que te da

 

¿Qué papel juega el arte en tu vida?

Te diría que un papel fundamental, cada vez siento más compromiso hacia él, más deseo de seguir trabajando, de investigar, es algo inacabable. Siempre tienes temas para investigar, siempre va a existir algo diferente en la manera en la que uno tiene de expresarse o en lo que quiere contar o mostrar, entonces claro, es un papel de los más importantes en mi vida y al mismo tiempo es mayor el compromiso. Muchas veces no es sólo que uno se pone a dibujar y sale todo, no, luchas contra la tela, te peleas con el papel pero luego puede ser maravilloso lo que te da.

No sólo pintas, también dibujas y esculpes, ¿cómo compaginas los distintos tipos de arte?

Yo no me pongo días ni me pongo un calendario para dibujar o para esculpir. Yo trabajo en el taller en mi casa todos los días: subo a pintar, a dibujar, si un día tengo ganas de agarrar una madera y trabajarla perfecto pero en general no me lo establezco como “hoy voy a esculpir, hoy voy a pintar” a no ser que esté trabajando en una pieza en específico y tenga que terminar la pieza, pero no es algo que suela tener estructurado. De pronto voy recogiendo maderas que están abandonadas o tiradas y trabajo con ellas, les voy dando diferentes formas las voy tallando un poco, me gusta mucho eso pero mi gran amor es el dibujo y la pintura. También va por rachas. Ahora llevo una racha dibujando, pero de pronto me viene una necesidad por pintar, es como si te llama tienes que hacerlo porque hay algo fuerte que vas a sacar de ahí.

Por eso no soy alguien que sus pinturas cuenten una historia complicada o una historia obvia, me gusta hacer cosas más universales, de hecho muchos de mis personajes son animales eso ayuda muchísimo porque la gente no lo relaciona con una persona en sí, pueden ponerlo en su historia.

Vemos en tus redes que los últimos cuadros son en tonos monocromáticos, ¿esto va por temporadas o es una faceta dentro de tu carrera?

Lo podría encasillar más en temporadas, hoy por hoy llevo tiempo trabajando más en dibujo, me interesa mucho el material, no tomo el dibujo como si fuera blanco y negro porque dentro de los dibujos también hay color, escalas; hay pasajes entre blanco y negro en una gran cantidad de grises. Me gusta lo que uno puede lograr de trabajar con una misma gama sobre diferentes materiales. Por eso estoy muy metida últimamente dentro del blanco y negro.

¿Qué es lo que más te gusta pintar?

Trabajo mucho sobre la naturaleza y con la naturaleza, pero no trabajo de una manera muy figurativa, lo que yo tomo lo traslado en un papel y lo transmito de una manera más abstracta; pero me conmueve mucho la naturaleza aunque las personas en mi trabajo no vean un árbol perfecto.

¿Cómo definirías el arte?

Para mí el arte es un palabrón. Es uno de los medios en el que el hombre puede volcar todas sus necesidades, lo interno y transmitirlo a través de diferentes lenguajes: lo plástico, la música, la escritura, lo visual y algunos pueden desarrollarlo más que otros.

 

 

Para Laura lo interesante del arte es que podría parecer que tiene distintas intenciones: lo que le transmite a una persona, lo que ve la que está a su lado y lo que significa para ella misma, lo maravilloso es que el arte puede darle muchas cosas diferentes a cada persona y lo que ella es capaz de mostrar cuando las palabras no son suficientes para decirlo.

 

 

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 2 de Mayo del 2023

Entrevista Sandra Llimona

Sandra Llimona

"En el arte no todo vale, el punto determinante es la intención"

Sandra López trae el arte corriendo por sus venas, le viene de familia vamos. Desde niña le gustaba pintar y siguió ese camino pese a que no tuvo apoyo en sus inicios, pero ella lo tenía claro. Sandra Llimona, debería sonarnos ese apellido, porque es el apellido de un famoso escultor cuyo trabajo forma parte de un monumento que seguro conocemos: El Arco del Triunfo.

 

¿Cuál es la historia detrás de “Sandra Llimona”, tu nombre artístico?

En mi familia mi abuela siempre nos había dicho que teníamos un antepasado que era escultor, y yo pensaba qué bonito, pero me imaginaba a un aficionado y ya está. Pero cuando estaba en el bachillerato, en una parte del temario vimos a artistas importantes, uno de ellos era Josep Llimona y a mí me sonaba mucho el nombre, pero no sabía de qué. Entonces llamé a mi abuela y le pregunté cómo se llamaba el escultor que siempre decía y me dijo: Josep Llimona. Yo no me lo creía, él había trabajado en el Arco del triunfo y tiene muchas obras por todo Barcelona.

Fue un orgullo tan grande, y yo que a pesar de estar en el mundo del arte no lo conocía, decidí ponerme de apodo Sandra Llimona para que todo aquel que me preguntara tuviera la oportunidad de conocer o recordar a esta persona que ya no está.

Hace tiempo tenías una definición del arte involucrando el corazón, el calor de lo frío, las fachadas modernistas de Barcelona, dibujos de niños pequeños y atardeceres...
Hoy en día ¿qué dirías que es el arte?

Ahí parece todo muy poético, muy bonito… Pero creo que incluso el arte podría ser un grito o un llanto, o un golpe en la mesa. Podría ser algo que no tiene que ser bonito, lo que tiene que ser es sincero y auténtico, que salga de ti y que pueda transmitir a otra persona cualquier sentimiento.

 
Sandra Llimona

Viendo tu cuenta de Instagram se nota un cambio en la paleta de colores por temporadas, ¿sueles utilizar ciertos tonos para determinadas épocas o es casualidad?

No, no es una casualidad. Yo soy una persona muy intuitiva, me muevo mucho por lo que me apetece y es verdad que siempre me han gustado mucho los tonos pasteles, suaves, luminosos, todo lo que me recuerde al sol, a la luz… Pero también me muevo por sensaciones y aunque tenga esa paleta de colores como predominante, va teniendo matices. En primavera uso colores más vivos, más encendidos. Pero si un día estoy enojada, triste yo puedo tomar un color negro y hacer algo muy básico.

 

“El arte no tiene por qué ser bonito”

 

¿Qué te inspira más, los sentimientos asociados a la felicidad o por el contrario?

A la hora de trasmitir me gustan más las cosas positivas, eso no quiere decir que no transmita por desahogo cosas negativas, pero las cosas más oscuras las dejo en el ámbito personal, en mis libretas, cuadernos porque no me gusta que lo vea mucho el público. Porque tú transmites y la gente también es influida por lo que presentas, y si ya hay un montón de problemas y cosas por las que preocuparse, me gustaría que mi granito de arena se recordara como algo positivo.

 

Se escucha mucho decir que el arte contemporáneo y los artistas de hoy en día son muy diferentes, pero desde tu perspectiva como pintora, ¿crees que en el arte todo vale?

No, yo no creo que todo valga. Lo que si vale es todo lo que tenga una motivación correcta; por ejemplo: si tú has hecho cuatro rayas porque tu motivación es decir “hago esto porque sé que en el mercado en el que se va a mover puedo presentarlo de tal forma en la que me puedo lucrar”, eso lo considero una motivación incorrecta y para mí, eso no es arte. Ahora si tú haces cuatro rayas inspirándote en el minimalismo de cierta época, de un trozo de cielo que tú ves con ojos poéticos o a través de las emociones entonces te lo compro.

 

 

“En el arte no todo vale, el punto determinante es la intención”

 
 

Si tu trabajo hablara, ¿qué crees que diría de ti?

Creo que diría que soy amable y muy sincera, pero a pesar de que soy sincera me esfuerzo también por ser positiva y generosa. Creo que mi arte no quiere ser pretencioso, a mí me gusta hacer cosas que las pueda disfrutar todo el mundo, me gusta hacer cosas variadas, no me limito a hacer un solo estilo porque hay personas que quizá por sus estudios, su cultura, no entienden todo tipo de arte pero tal vez aprecian algo y digan que es bello. A mí me gusta poder empatizar con todo tipo de público y con esas personas que a lo mejor no tienen tan o conocimiento darles ese espacio en el que puedan disfrutar del arte.

 

¿Dirías que un artista nace o se hace?

Sinceramente creo que tú naces con un punto de sensibilidad, pero también creo que en algún momento puede haber algún episodio de tu vida en el que te marque un antes y un después a la hora de apreciar las cosas. Quiero decir, un buen artista no es el que sabe pintar bien únicamente, sino el que sabe mirar. En cuanto a la sensibilidad, hasta qué grado naces con ella y hasta qué grado la puedes desarrollar, no lo tengo claro, creo que es un tema más psicológico.

 
Sandra Llimona

¿Qué le dirías a la Sandra que empezaba a pintar?

Le diría que piense bien en qué creencias va a querer tener. Porque hay muchas veces que siendo pequeña las personas te hacen dudar, incluso personas que te quieren o de la misma familia intentan “por tu bien” decirte que por ahí no o que esto no es importante, que es más importante el dinero. Yo digo, replantéate bien las cosas, razona y date cuenta que no todo el mundo vive y quiere vivir de la misma manera. Le diría que sea fiel a mis principios, desde el principio.

 

 

 

 

Sandra es una artista que siempre ha ido por su cuenta, a veces por elección propia y a veces un poco por obligación; pero siempre va así, creando, compartiendo y ganando visibilidad. Es fácil identificarse con ella y la nobleza de su arte, basta con echar un vistazo a sus redes donde se encuentra desde la calma de los blancos, el arrullo del agua, lo vibrante de la naturaleza, hasta la elegancia de los trazos oscuros.

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023

Entrevista Gregorio de la Cruz

Gregorio de la Cruz

"Personalmente cuido mis fotos y trato de elaborarlas bien y me siento orgulloso de ello"

Gregorio inicia contándome que trabajó muchos años en el sector de aviación. Y fue por una casualidad -casualidad, destino o la misma vida, como cada uno le llame- que decidió dedicarse más a lo que siempre fue su pasatiempo, la fotografía. Pero no sólo fotografía, Gregorio une fotos y puntillismo, para lograr crear sus coloridos cuadros, tan simpáticos como lo es él.

 

¿Cómo fueron tus inicios?

Atendí a un matrimonio que venía de México y se le perdieron 16 maletas, y yo como RP le atendí. A mí me daba pena que esa familia con hijos no tuviera maletas y traté de hablarles con amabilidad, y resulta que el señor había trabajado con Buñuel en la última etapa en México. Él me dijo que notaba en mí una cierta sensibilidad y me preguntó cuál era mi hobby y yo le dije que era la fotografía, así que me pidió ver algo de mi obra. Cuando llegaron sus maletas yo las llevé y le mostré una parte de mis fotos y me dijo que tenía mucha sensibilidad que tenía que aflorar hacia fuera. Este hombre me dio un gran empujón y a partir de ahí empecé a buscar exponer.

 

¿Cómo fue que llegaste al puntillismo, estilo que actualmente tienes?

A raíz de los trabajos que pude hacer con diferentes marcas y personas, y de lo que me inspiré de Seurat de foto puntillismo, pregunté en el lugar donde imprimo mis fotos que quería hacer puntillismo y coloreando partes determinadas de las mismas. Así llegué a lo que hago ahora.

 
Gregorio de la cruz
Gregorio de la cruz

¿Todas las fotos que usas son tuyas?

Así es, todas son fotos que yo hago y cuido mucho mis encuadres, o eso me han dicho, que tengo unos encuadres especiales. De técnica de luz yo no opino pero, personalmente cuido mis fotos y trato de elaborarlas bien y me siento orgulloso de ello.

 

“En la vida necesitamos un input de una persona válida que nos motive”

 
 

¿Quisieras probar con otras técnicas o prefieres mantenerte en la que estás?

 

No me gustaría hacer otra cosa. Me gusta esto porque en este campo puedo dar de sí y al ser algo un poco innovador podría ser también vanguardia y me hace sentir bien. La realidad es que foto puntillismo hay poco o muy poco que se conozca a nivel global, a mí me hace ilusión de ser ese pequeño grupo.

 

¿Qué es lo más difícil del foto puntillismo?

Es muy trabajoso, ya te lo digo. El pulso debe ser excelente al igual que la vista, hay que saber cargar muy bien el pincel para que no te salgan puntos más gordos que otros y hay que estar súper concentrado, no es fácil y no te lo digo por vender el producto sino porque en verdad es muy laborioso. Luego hay que decir que no todas las pinturas aunque sean buenas o caras sirven para lo mío, no todas corren igual o cargan igual, también depende del color o de la textura.

 

 

“Pinto muchos animales porque así la gente no lo relaciona con una persona y les es más fácil identificarse con ellos o su historia”

 

¿Cómo te dispones a pintar?

Hay que estar muy concentrado, no es fácil repito. Yo sólo tengo música porque me inspira, y cuando voy a mi pueblo ahí tengo una casa en el campo, ¿sabes lo que es estar pintando con el canto de los pájaros, viendo la naturaleza…? A mí me da alegría.

 

¿Cómo es tu relación con el público?

A mí me gusta mucho hablar con la gente, siempre estoy abierto a charlar con ellos o explicarles la ejecución de las obras, mi historia y cualquier cosa que me pregunten.

 

Hablando del público, ¿qué es lo más curioso que te han dicho de alguna de tus obras?

Me han preguntado si el puntillismo es digital, que si lo hace una máquina. Y yo les digo que no, que lo hago yo con mi pincelito y se quedan algunos asombrados, me preguntan también que si hay miles de puntitos y sí, sí los hay.

 
Gregorio de la cruz
Gregorio de la cruz

¿Tienes algún artista favorito?

En cuestión de color Joan Miró. Admiro mucho esos colores vivos, naturales, yo es que soy de color. A la vida le tenemos que dar color porque eso es la naturaleza, yo provengo de ahí. También creo que tiene que ver con el alma de la persona, que no seamos oscuros.

 

¿Te gustaría tener un aprendiz?

Yo estaría encantado, si yo pudiera compartir mi visión, mostrarles los colores, los encuadres… Yo soy muy cristalino y me gusta ayudar, me gusta compartir y compartirme. Aclaro que no es para nada una declaración pretenciosa, de verdad, pero si algo de mí le puede servir a alguien, ¿por qué no?

 
 

¿Hay alguna pieza que tenga más cariño tuyo que el resto?

No, son como hijos míos. Uno cuando tiene hijos pues claro cada uno tiene sus peculiaridades, pero ninguno es mejor que otro, así con mis cuadros no soy capaz de hacerlo. Cada uno lo he hecho con mucho cariño, con mucha entrega y no sería fiel a mis principios si eligiera sólo uno.

 
 
 

 

“Es muy triste que entre artistas -yo aún no me considero uno- hay mucho recelo a la hora de hablar bien de la obra de otro”

 
Gregorio de la cruz
Gregorio de la cruz

 

El arte para ti es…

Una expresión de vida.

 

 

 

La realidad es que la inspiración, las ganas o la concentración para crear no se tienen todo el tiempo, por eso Gregorio dice que hay que aprovechar los espacios de calma o de paz, donde hay alma y cabeza para crear… El espíritu creativo no aflora cuando uno quiere. Gregorio es un apasionado de la vida, él siente y siente mucho, y eso se ve reflejado en gran parte en lo que hace.

 

 

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023

Entrevista Marta Carceller

Marta Carceller

"Yo hago lo que me nace, y si algún día lo cambio será porque me saldrá de dentro"

Marta que es psicóloga de profesión cuenta entre risas y pausas una parte de su vida. Desde cómo el interés por el arte en general le atrajo desde pequeña e hizo piano, pasando por estudiar algo de lo que pudiera vivir y teniendo la pintura como pasatiempo. Fue en el confinamiento cuando todo el mundo se vio obligado a parar que pudo centrarse por primera vez, de lleno en la pintura.

Tienes un estilo bastante definido, ¿te gustaría seguir esa misma línea o probar a experimentar con algo más?

La técnica y los materiales si los voy introduciendo, hay épocas en las que según mi ánimo me atrevo más y hay en las que sólo utilizo lo que conozco y me relajo. Yo hago lo que me nace, y si algún día lo cambio será porque me saldrá de dentro pero en esta línea me siento muy cómoda.

 

¿Qué dirías de tus cuadros?

Son obras muy personales, de experiencias vividas, no pinto cualquier cosa sino lo que me atrae o me hace sentir algo, y generalmente son situaciones, imágenes que se me quedaron grabadas en la retina. Si a mí me dijeran: “si pintas tal cosa vas a vender mucho” pues no lo haría tampoco, me tiene que provocar algo.

 
Marta Carceller
Marta Carceller

Hablando de eso, ¿crees entonces que hacer un cuadro personalizado sería como forzar la inspiración?

No, pero a ver, si me tendría que esforzar un poco más. Sí lo haría puntualmente porque no creo que suceda mucho y podría si la persona me da el contexto, si me explica el por qué el retrato, que me sitúe en la motivación de tener esa obra.

 

“En el arte pesa más el sentimiento que la parte racional”

 
 

Si pudieras definir el arte, ¿cómo lo harías?

Sentimiento presentándolo de forma creativa. Después viene otra parte que es la racional, que es la que dice “bueno esto es lo que tú sientes pero arte para mí es dificultad”. No sólo es la romántica pero sí tiene más peso, se pone el sentimiento y luego el proceso cada uno lo hace de forma distinta eso sí, siempre teniendo en cuenta lo que quieres destacar.

Marta Carceller

¿Qué es lo que más te gusta pintar?

Los temas son variados, por eso mismo de que hago lo que siento. Puede ser que vea una foto de hace años y pienso que eso lo tengo que pintar, y aunque los elementos son variados últimamente he hecho más figura humana. Me gusta más hacerlo.

 

 

 

 

“Yo admiro a muchos artistas día con día en Instagram. No tienen que ser reconocidos”

 
 

¿Dónde pintas? ¿cómo es tu estudio?

En mi casa, hay objetos de una vida cotidiana. Hay desde cajones de ropa desordenada hasta cacerolas de la cocina y libros en el despacho. Es una casa: están los niños que estudian, la lavadora haciendo su trabajo, mis cuadros, los libros, ruido de ordenador, se viven muchas cosas distintas a la vez.

¿Te gustaría ser profesora o dar clases de pintura?

Uy, no lo sé. No lo he hecho nunca y me preocuparía eso, las preguntas que me harían y cómo podría resolverlo. De momento por inseguridad no, pero más adelante a niños o adultos que sé que están empezando sí lo haría. Es que como hago lo que siento sin ninguna base teórica o formativa no me sentiría lo suficientemente preparada, y eso sin contar que me quitaría tiempo a mí para pintar.

 
Marta Carceller
Marta Carceller

¿A quién admiras?

Yo creo que cada día que entro a Instagram admiro a alguien. No necesariamente tienen que ser pintores reconocidos, de todo lo que veo de todo aprendo, y muchas veces me topo con cosas hermosas y me gustan mucho sus obras. Admiro a muchos artistas cada día.

 

¿Hay alguna curiosidad sobre tu trabajo?

Sí, normalmente cuando tengo la imagen de una obra se me viene el título. Yo nunca pongo “sin título” porque para mí no está acabado si no tiene un nombre, no lo cuelgo en las redes hasta que no tenga uno.

Marta Carceller
Marta Carceller

 

 

Marta cuenta que gracias a la pandemia se dio cuenta de que la pintura era lo que realmente debió haber hecho años atrás, pero bien dicen que más vale tarde que nunca. Sus retratos tiene un toque especial, una textura, estampado, algo que les da su sello. El regalo que le da la pintura es que la gente puede detenerse un momento de sus vidas a mirar uno de sus cuadros y que tal vez ese los pueda llevar a algo de sus vidas o despertarles algo, esa es su recompensa.

 

 

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023

Entrevista Ulrik Christian

Ulrik Christian

"I'm known for my humor and twisted, colorful mindset."

Art is a journey that viewers take with the artist and is an experience.

Vibrant colors, geometric and not so geometric shapes, characters and popular culture are things that we can find in the work of this artist with a colorful soul. Christian doesn ́t go unnoticed wherever he goes and is the living proof that for tastes, colors. In this interview we learn a little more about his history, his works and personality.

How did your career start?

For 20+ years, I have navigated in a creative world of advertising, design, film, and content creation as an art director in the advertising industry; I have worked for: Mediacom, McCann Copenhagen, Advance, Bates/Red Cell, Tribal DDB, and TBWA\COPENHAGEN.

 

I’m known for my humor and twisted, colorful mindset. Some think I’m too much, while others love it, as I always aim to challenge the norms… But one day, I was hit by stress and decided to fight it with creativity. So, in 2018 I started painting – first oil on canvas, a bit dark, but it reflected my feelings. Then I started experimenting with different shapes, materials, colors, and light. Today 5 years later, I found a balance to use my skills as an art director to build the base for my pop art before printing lithography and painting in my ‘signature’ style. However, I constantly challenge myself, take risks, and test new things to grow and expand my artistic journey.

Some artist inspired you to create your paintings?

My favorites are Damien Hirst, Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat, and Yayoi Kusama. They work on different media; they make complex work look simple and beautiful. They are bold and deliver a visual and joyful experience I love.

 
Ulrik

How do you describe your works?

Playful, full of colors and humor, timeless, and without boundaries. All is unique 1:1, and nothing is static.

“Some think i’m too much, while others love it”

 
 

For you, what is art?

For me, art is not just an object to admire from afar. It is a multi-faceted experience that engages all our senses and emotions. Art is more than a pretty picture hanging on a wall or a sculpture displayed in a museum. It is an expression reflecting our experiences, ideas, and beliefs. Art is a medium that enables us to engage with the world around us, and it has the power to move us. It is the artist’s vision and intent which is brought to life through the use of various mediums such as paint, clay, fabric, and sound. Art has the power to evoke emotions and feelings that words alone cannot express. Art can make us feel happy, sad, angry, inspired, and nostalgic, among other things. It has the ability to transport us to another time and place, to help us see the world in a new light, and to connect us to something greater than ourselves. Art is a journey that viewers take with the artist and is an experience.

How did you find your style?

I experiment and embrace the power of boldness to grow my artistic skills. I have found my ‘signature’ style in pop art but constantly test different media, formats, and materials mostly because I enjoy the creative process and feedback from viewers.

 

 

“Art is timeless, it has the power to transcend time and space”

 
 

Of all your catalogue, do you have a favorite piece?

My ‘Kitchen closed’ was a game changer for me in Dallas as a new artist name, but lately, I am starting to fall in love with my new project of sculptures.

Do you dream of exhibiting in a specific place?

Miami Art Basel.

 

If one day we visit your studio, what could we find there?

A very productive studio packed with prints, half-finished sculptures and paintings, materials in all kinds of forms, and lots of paint in crazy cool colors from my sponsor Schjerning!

 
Ulrik

Do you think art has an expiration date?

While some may argue that art has an expiration date, I believe art is timeless. Art is a reflection of our experience. The themes and emotions artists explore through their work are universal and can be understood by people of all generations and cultures. Good or bad. Nevertheless, art has the power to transcend time and space. Art that was created centuries ago can still move and inspire us today. The Mona Lisa, if you like it or not, was painted over 500 years ago, and it still draws crowds of people to the Louvre Museum in Paris. Not to forget Miro, Asger Jorn, Picasso, and Basquiat, whose work I can look at repeatedly.

 

Would you say that each painting has its own personality?

Yes, I create mainly 1:1 pieces, even with prints.

What do you enjoy most in your day to day?

My freedom to create. The ability to be bold and let go of perfectionism. As an artist, you tend to experience a certain vulnerability when sharing your art with others. I did that in the first years, but I embrace the artistic journey instead of the outcome today. I work 10 – 17 at my studio five days a week, experimenting and producing art I learn from and grow with.

 

“Art is timeless.

Art is a reflection of our experience”

 
Ulrik

 

 

Ulrik’s work is worth seeing, wheter you share his passion for colors and pop art or not, it will surely move you inside. His play with lights and experimentation teaches us to see life from another perspective.

 

 

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023

Entrevista Juan Mengual

Juan Mengual

"Una vez que le coges el gusto ves que es necesario"

Este artista español empezó a pintar en familia. Su vida se desarrolló en medio de pinturas, lienzos y pinceles. No fue hasta que su madre le pidió ayuda con unos collages que se dieron cuenta de su potencial para el arte. “Mi madre me dijo que tenía talento y yo pensé que solo me lo decía porque era mi madre” pero a raíz de eso empezó a pintar y buscar opciones para prepararse, así llegó a The Art Academy en Londres.

Al ser tu madre pintora, ¿apoyaron tu carrera desde el principio?

Sí, claro, mi familia me apoyó y empecé con ella. Cuando fui a Londres no tenía a nadie, pero esa experiencia fue muy importante porque además de todo lo que aprendí de técnica también estuvo la parte conceptual que en un principio a mí se me hizo un poco dura, pero la tesis de mi último año que fue sobre cómo utilizar el inconsciente para hacer arte, me sirvió para darme cuenta de que necesitas una base conceptual detrás y me encantó, una vez que le coges el gusto ves que es necesario. Desde entonces sigo así.

¿Dirías que un artista nace o se hace?

Creo que cada uno tiene una respuesta distinta, pero pienso que algunas aptitudes sí que hay que tener, un poco de gusto para empezar. A mí me dicen que los colores que uso son muy buenos por ejemplo, y creo que es por estar toda la vida viendo los cuadros de mi madre y eso se te va quedando en la mente, al igual que si has ido a museos o galerías, también si has leído sobre arte, son cosas que se van incorporando y cuando te pones a pintar salen de manera natural. Por esto yo diría que el artista se va haciendo, pero un poco de aptitud de nacimiento sí que ayuda.

 

¿Cómo llegaste al estilo que ahora tienes?

Es curioso cómo te dicen al final de la carrera que busques tu estilo y es lo más difícil porque ya está todo inventado. A mí me vino bastante natural porque yo veía manchas de pintura en el suelo y les veía potencial, así que empecé haciéndoles fotos y a partir de estas pintaba. Pero claro hacer algo “accidental” adrede es complicado, me costó bastante pero con la práctica encontré dos técnicas para hacer las manchas originales.

 
“Encontrar tu estilo es lo más complicado porque ya está todo inventado”
 
 

Hablando de eso, ¿qué técnicas utilizas?

Utilizo dos principales: mezclo pintura acrílica con agua, mojo el resultado con esponjas y luego lo esparzo sobre un lienzo, poco a poco se va asentando y así sale la mancha sobre la que trabajo. La otra técnica es la decalcomanía. Después de descubrirla me enteré de que ya existía, básicamente es poner pintura sobre un trozo de lienzo y luego lo pones encima de otro, es como hacer una impresión y ahí tienes poco control, pero salen manchas muy chulas que son como fractales, así empiezo.

 

Hubo un punto de mi vida en el que me di cuenta que cuando empiezas a sentirte cómodo ya nada te sorprende, ya nada te impacta. Yo necesito salir e impactarme con algo nuevo, renovarme, y luego regresar a casa y dibujar lo que venga, así es como funciona mi trabajo.

¿A quién consideras tu mayor influencia?

Tengo influencia sobre todo de los surrealistas, pero además tengo influencias de muchas partes y una de ellas es mi madre, aunque nuestros estilos sean muy distintos, probablemente es la más importante porque, he estado toda la vida mirando lo que hacía. Es mucha su influencia, pero de forma indirecta porque somos muy diferentes.

 

 

“En la guerra, en el amor y en el arte todo vale”

 
 

Respecto al color, veo que usas colores bastante vibrantes ¿por qué eliges esos tonos?

Cuando me dijeron que tenía que buscar mi estilo yo escuché que los pintores tienen una paleta de colores, me pareció algo extraño, pero cuando estaba pintando me di cuenta de que también tengo la mía, salió muy natural. Mi paleta de color principal es el magenta y el cian, luego voy variando porque evidentemente no vas a pintar en todos los cuadros igual, el blanco también lo uso mucho como fondo. Ahora he ido probando otros colores, por ejemplo verde y amarillo, para obligarme a mí mismo a ampliar mi paleta y así poder evolucionar.

 

¿Pintas por colecciones o van saliendo cuadros individuales?

Tengo algunas series y hago alguna colección. Por ejemplo, tengo una serie que es de puntos, voy variando un poco conforme voy sintiendo.

Cuando no estás pintando ¿qué otras cosas disfrutas hacer?

Me gusta mucho la naturaleza, me gusta mucho el senderismo porque creo que es una manera de alimentar el cerebro de los pintores. Me gusta también ir al mar. Disfruto mucho las exposiciones, sobre todo en persona porque no es lo mismo ver cuadros en una pantalla que en directo, puede ocurrir que algunos artistas en digital no te gusten y cuando los ves en físico te llevas una grata sorpresa.

 

Me llaman la atención tus títulos, ¿cómo los eliges?

Cuando empiezo a algún cuadro teniendo la mancha original y viendo cómo la edito, el cuadro empieza a hablarme. Hay veces que el título se me ocurre enseguida, otras que cuesta más pero me viene siempre por lo que voy viendo y me va sugiriendo la obra.

 

 

 

“Me gusta mucho la naturaleza, me gusta mucho el senderismo porque creo que es una manera de alimentar el cerebro de los pintores”

 

¿Qué es más importante, la técnica o la imaginación?

Yo diría que es más importante la imaginación, porque la técnica se puede aprender y mejorar conforme vas pintando y practicando, pero luego lo que es hacer algo distinto, tener tu sello personal es lo complicado, la parte creativa. Lo mismo pasa por ejemplo en la música, gente que canta bien hay mucha, gente que sea distinta y tenga un sello personal es otra cosa. Repetir lo que hacen otros simplemente con la misma técnica, te quedará algo bonito pero te faltará alma.

¿En el arte todo vale?

En la guerra, en el amor y en el arte todo vale. Pero, siempre y cuando tenga un sentido. No es hacer por hacer, tiene que tener un por qué, una razón de ser.

Para Juan Mengual alimentar la mente del artista es todo un mundo, se nutre de lo que ve, de lo que siente, de lo que se rodea. Él ve al arte como una forma de reflejar y sacar lo que tiene en el inconsciente, además de como una terapia. Lo usa para mostrar las cosas buenas, pero al mismo tiempo sacar los demonios que lleva dentro. Ahí también radica el encanto del arte, en que cada uno tiene su propia versión de lo que es, cada una tan diferente de otra, pero igual de válida.

Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023