Entrevista Anna Di Mauro

Anna Di Mauro

Strong lights and shadows looking and repeling each other

Anna Di Mauro
Perfil
Instagram

Anna Di Mauro, born in 1968 in Catania, was reborn in 2000 as an artist, finding in painting a new way of getting to know each other and tell each other. She approaches art from self-taught, finding comfort in it.

Under the guidance of a painting master, she learned increasingly suitable tools to express her emotions through shapes and colors, driven by his inspiration creative. Over the years plays with her artistic vein by experimenting with different pictorial languages up to his own current technique based on complementary colors that harmonize with each other with strong lights and shadows looking and repeling together dancing on the canvas.

For many artists, there is a key moment in their life, that moment when they fell in love with art when they saw something, that moment that motivated them to start, tell us about yours.

I started as an adult, in a troubled moment of my life… without knowing yet what was lying inside me. All it took was some basic knowledge of how to use primary and complementary colours, and it was an unexpected explosion of creativity. You know, it’s a bit like when you go out one evening and meet the man of your life.

This is how it was for me, in that difficult moment I discovered the magic of colours and… I fell in love. A passion was born that, even today, I feel alive inside.

Which one was the first painting you did and what did you feel when you saw it finished?

The first painting was born by chance, on an autumn afternoon, and at the same time, my style was unconsciously outlined. “United by nature” is the painting promoting my entire artistic journey. The surface on which I had made the sketch had a rough texture that did not allow me to spread the colour normally, so I was forced to repeatedly tap with the brushes and the related colours in order to paint. And I must say, with enormous amazement, that when I detached myself from the work to observe it from afar and contemplate the effects of light and shadows… i discovered that I had given a chromatically vibrant effect.

In your work we see from fruit still lifes to mythological creatures and fantasy references, how do you choose these themes?

 

So, still-lives are often compositions that contain objects that I am fond of, that belonged to my family. A set of things and/or fruits that I personally photographed with the sunset light, a light I really like because it is warm.
Talking about mythological figures instead, I do not deny you a particular attraction for mythology and all its tragic stories. And in the end, the “fantasy” references you ask me about certainly refer to:

– The statues that are transformed “from marble into human flesh”, where an evident need for transformation is expressed (perhaps unconsciously it is my own), and a passage “from shadow to light”;

– To the embrace between two different elements: the sea and the earth, gold and silver. Here the desire to send a message of universal Love was strong. The embrace intended between two people who love each other, between two people who are friends…

– To female nudes set in history and architecture: subjects were chosen because I firmly believe in the strength of all of us women. So I can say that the themes in all of my paintings represent “me”.

 

 

 My aim is to give beauty, to be able to rouse emotions that
shake the soul, so I think that we must want the impossible
for the impossible to happen.

 

Have you been inspired by the work of another artist or has it influenced you in any way?

The only painter who has always attracted me for his lights and shadows is Michelangelo Merisi “il Caravaggio”. It is clear that the admiration of his style is not an attempt to imitate or get closer to his pictorial genius, but rather a feeling of attraction for the alternation of shadows and lights.

Were you clear from the beginning how you were going to work or did you try different techniques until you found the most comfortable one for you?

As I said before, I discovered it by experimenting but once i defined this style I never experimented with other techniques because I really like working with oil colours.


A characteristic element of your paintings are the masks, how did you incorporate them into your work?

I was attracted by masks for a period of my life, as you will see in previous and subsequent works. Probably, regardless of the moment in which I chose them as subjects, I believe that we all wear them to a certain extent. But they do not necessarily have to mean falsehood or deception. For example, I am a reserved, non-intrusive and partly shy person… so they can represent shyness, fear of exposing oneself and so on.
But the strange thing, which I reveal in this interview, and which I have never confessed to anyone, is that… some of the paintings with the masks were “precognitive subjects” of a part of my life.
Let’s say that in some way they anticipated and marked the timing of my experience. And believe me, I only noticed it after the events happened… then looking at them again. It happens to me, still in some canvases, to anticipate events not yet experienced and/or seen.

For Anna, what is art?

It is life, it is beauty, it is making the past and the future present, it is rejoicing in the hope of giving and provoking
emotions in people, it is getting moved by the smell of colours and turpentine, it is feeling the “butterflies in the
stomach” when I want to realise an idea, it’s flying with my imagination in front of a blank canvas, it’s feeling like a
mother when I’m about to put a new “creature” on a canvas.

Is everything valid in art?

Not everything. I believe that everyone is free to express their art and their creativity. But today, I notice an excessive “changing” of one’s style to conform to what is most requested on the market. A friend of mine once told me: “why don’t you change your style since at the moment something is hot a certain style on the market”. My answer was: “I could change, only if I feel it inside “the change”, certainly not due to a market request”. Art is the full expression of myself.

What has been the biggest challenge in your career?

Now. The year 2022-2023 represents a turning point. I’ve abandoned some job certainties because I believe with all my heart in my creativity.

 

If your paintings could talk, what would they say about you?

Everything. At a personal exhibition that I held last year, a friend of mine who hadn’t seen all my paintings yet, came to visit me. She saw them, almost all together, on that occasion. Well, during her visit, she began her journey by observing them one by one, but I saw that she lingered longer in one of them. Intrigued, I joined her. And… I saw that she was crying. I asked her if she was okay. She replied that in that particular painting, she saw all my suffering. Believe me, it was wonderful for me to see how I managed to touch her soul. Be able to rouse emotions is the most beautiful thing for a creative dreamer like me.

 

Are all the facets of Anna reflected in the paintings?

I am totally inside all my paintings, because like a mother they are generated within me by moods, by experiences, to then be conceived as living creatures.

 

End with a phrase that you like a lot

My aim is to give beauty, to be able to rouse emotions that shake the soul, so I think that we must want the impossible for the impossible to happen.

Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023

Entrevista Marcela Robayo

MARCELA ROBAYO

"Tantas cosas que en el transcurso de tu vida te suceden, que te hacen ser quién eres"

Perfil
Instagram

Al mirar los cuadros de Marcela podemos distinguir algunos rasgos de su historia, por ejemplo que estudió biología marina. Desde niña dibujaba y le gustaba el diseño, pero se encontró con lo que muchos otros artistas, la típica frase de: “Si te quieres dedicar al arte, te vas a morir de hambre”. Y aunque ella terminó estudiando no sólo una, sino dos carreras, al final regresó a lo que su corazón le decía, al arte, porque a unos cuantos afortunados, el arte les llama.  

¿Tienes alguna anécdota de tus inicios en la pintura?

Cuando me casé me fui a vivir a Brasil y en Brasil el departamento era completamente blanco y mi marido no quería comprar nada de decoración porque no sabíamos si realmente nos íbamos a quedar mucho tiempo Brasil o nos íbamos a ir después a otro país por su trabajo. Y agobiada por la simplicidad de las paredes compré unos lienzos y empecé a pintar siguiendo las texturas y los colores de Oswaldo Guayasamín que era un artista que me encantaba ecuatoriano que pintaba como el dolor de las tribus indígenas de Ecuador. Alguna vez hice un cuadro simulando las historias de Guayasamín para decorar mi casa, y mi esposo le tomó una foto y lo puso en mercado libre Brasil y se vendió inmediatamente, esa persona que lo compró me pidió cinco más, yo no podía creerlo. Yo no sabía nada de arte, he pintado toda mi vida pero no era profesional en ese ámbito. Luego de que se vendieron esos cuadros una persona que conocía que tenía una galería de arte en Colombia me pidió 14 cuadros y desde esa época que era el 2007 hasta ahora no he parado.

Dices que al principio no tenías preparación profesional artística, ¿cómo fue decidiste formarte en ello?

Me mudé a Houston y vi una convocatoria de arte del Museo de Artes Finas de Houston, una convocatoria para ganarse una beca en la escuela de arte del museo, entonces mandé fotografías de los cuadros que yo ya había vendido, de collages y me gané la beca. Actualmente ya llevo cuatro o cinco años de manera profesional con ellos, obviamente tomando cursos de a poquito, pero de ahí me han escogido muchos cuadros para exponer en galerías de Houston, una en Nueva York y además la escuela del museo tiene muchas asociaciones con diferentes galerías y hacen concursos abiertos de temáticas donde muchos de mis cuadros han sido escogidos y exhibidos y en diciembre se hacen las ventas de tu trabajo del año. 

“Creo que el arte así no sea convencional para los demás o sea algo demasiado extraño ante sus ojos, uno tiene que ser fiel a los colores que tiene adentro “

  

¿Como definirías tu estilo?

Místico, de exploración, mix media, con muchos colores y creatividad. Muy flexible. A veces caigo en casarme con una sola cosa, pero siempre estoy con tantas ideas y he hecho tantos retiros espirituales que eso también ha influido mucho en los cuadros, es más o menos como la exploración psicológica del ser: la máscara, la doble moral, del espíritu animal, de la fuerza… De todos esos elementos humanos. 

Cuéntanos más sobre el significado de los elementos que vemos en tus obras…

Me gusta hacer la referencia con el cangrejo ermitaño: el cangrejo recolecta una concha y en esa concha se le van pegando basura, conchitas y de todo para decorar la pieza que se encontró, es como adornar su casa y dar una apariencia de lo que no es. Muchos de mis cuadros eso es lo que reflejan, todas esas máscaras que tú te pones para sobrevivir, los traumas de infancia, de la vida o el dolor que llevas escondido en el corazón, tantas cosas que en el transcurso de tu vida te suceden, que te hacen ser quién eres. Mi temática es esa, lo que muestras en el exterior pero que estás escondiendo, quién eres de verdad. 

“Es peligroso caer en ese auto saboteo de no creer en lo que estás haciendo o no disfrutarlo, hasta ahí llegó el arte”

¿Dirías entonces que las máscaras son el elemento que más representa a tu trabajo?

En la colección de la Diva, que es la mujer y las máscaras sí. Ha sido una temática constante, llevo ya algunos años con esa. 

La diva es la protagonista de varios de tus cuadros, cuéntanos de ella…

Es la temática en la que estoy actualmente, La Diva es muy estética, pero además da para contar mucho, se presta para contar una historia más o menos como si fuera el personaje de una caricatura o un cómic, que tiene aventuras, es como si cada cuadro contara una y en el próximo esperar que otra historia me va a contar. El desarrollo de este personaje ha sido importante porque ahora es como un símbolo reconocible, como mi sello. Y se ha prestado para que se imprima en ropa, para stickers, se ha convertido en un elemento muy fuerte de mi trabajo porque se ha vendido mucho en las ventas de diciembre en el museo. También es bonito porque hay gente que me contacta pidiéndome cuadros personalizados, por ejemplo: una persona de la india me habló y me dijo que quería que la diva tuviera elementos de su país, el espíritu animal esa persona que es un elefante. Se ha vuelto un símbolo para que la gente me cuente sus historias y yo pueda plasmarlas.

 

¿Cómo decidiste pasar de los lienzos a lo textil y otros productos?

Muchas personas me dijeron que el diseño tenía mucho potencial para convertirse en algo digamos icónico en estampados o algo por el estilo. Entonces tengo una amiga que ella tiene toda la maquinaria para hacer estampados, ella me lo propuso y al principio le dije que no; pero luego me fui a un retiro y conocí a una persona que tiene una empresa de ropa para ciclistas, que ropa muy colorida y diferente para ese deporte, y esa persona me dijo “quiero que me des tu diseño de la diva para que yo imprima en ropa y te pago dándote unas prendas de vestir y las vendes”. A mí no me sonaba el negocio porque yo no ganaba ni un centavo, le estaba dándome diseño y él solamente estaba pagando en ropa, entonces no era ni negociable ni me convenía, pero me acordé de mi amiga que tiene esa empresa de impresión y le pedía ayuda para lanzar el proyecto yo sola. Y prohibimos las telas, conseguí una costurera e hicimos unos diseños muy fáciles primero como para mirar a la gente le gustaba, como se veía en tela, un experimento y ha dado resultado, nos han pedido mucho. Al final la idea es que cada persona tenga una prenda única, así como son únicos los cuadros. 

Hay mucho colorido y variedad en las formas que utilizas, me recuerda a artesanías de países latinos, ¿las personas perciben estas raíces? ¿qué te dicen respecto a esto?

Yo creo que las personas que venimos de Centroamérica y Sudamérica tenemos muy vivo el color, la mezcla de texturas y patrones. Por ejemplo, las faldas de las indígenas peruanas son de retazos, de colores, como que toda esa mezcla de supervivencia la tenemos viva en la sangre, es imposible no reflejarlo. A veces tú le dices eso a un norteamericano y no lo entienden, porque olvidaron que ellos también podrían rescatar su linaje Cherokee o de Pieles Rojas, sus raíces. Eso desafortunadamente va quedando en el olvido. 

Has vivido en muchos países, conocido muchas culturas y lugares ¿dirías que cada sitio en el que has estado ha aportado su granito de arena a tu estilo?

Total. He vivido en Italia, Alemania, España y muchas partes de Estados Unidos y Sudamérica, yo salí de casa a los 17 años a estudiar y el hecho de exponerme al mundo sin la protección tan marcada de mis papás me ayudó a no estar encapsulada en las ideas convencionales de papá y mamá. Tuve la libertad de explorar, de conocer gente, de meterme a mercados o ir a tomarme algo en el bar más escondido de la ciudad, esas ganas de conocer y explorar dicen mucho de una persona; al salir te fijas en todo: colores, música, texturas. Yo recolectaba servilletas de cada ciudad, papelitos de chocolates y todavía los tengo, eso ha servido para construir mis collages. Todo esto que colecciono son objetos que cuentan una historia. 

 

 

Cuando hablas con Marcela sobre sus cuadros te dice que cada uno tiene energía y su personalidad, es una persona muy espiritual y es capaz de trasmitirlo incluso al hablar. El arte fue su salvación, porque por fin le abrió las puertas para encontrarse consigo misma, para darle volumen a su voz, a los susurros y a las ideas; incluso le permitió conocer más sobre su -espíritu animal- como ella lo diría… ¿Y tú, ya sabes cuál es tu espíritu animal?

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 14 de Junio del 2023

Entrevista Virginia Martin Valdez

VIRGINIA MARTIN VALDEZ

"Que placer pintar"

Perfil
Instagram
Para Virginia el arte es el reflejo de lo que más le apasiona en ese momento al artista, como esos pensamientos que te consumen por completo día y noche, lo mismo le pasa a ella que confiesa entre risas que mientras pinta un cuadro puede llegar a soñar con él y despierta teniendo detalles por añadirle. Ella vive atrapada en su propio mundo del arte y así podríamos verla en su día día, con sus jeans, su pelo rubio recogido en un moño y pinceles en mano.

¿Cuál es tu historia, cómo empezaste en esto?

Mi experiencia con la pintura empezó hace tres años, tampoco es que haya estado toda mi
vida pintando. Siempre me gustaron los cuadros de marinas, fue lo que más me atrajo, yo
paso por una galería, veo una marina y me quedo ahí mirando porque es lo que más me llama la
atención. Tuve la oportunidad de viajar por Europa, conocer varios museos y me impactaron
mucho los cuadros que vi, pero nunca me imaginé pintando, es lo insólito.
Todo empezó el día que fue a casa de una señora que pinta desde hace muchos años, de
manera un poco autodidacta y pintaba en su casa, y yo pensé: “que placer pintar”. De ahí me
inscribí a un taller de pintura, y aunque a mí siempre me ha gustado dibujar y de niña pasaba
horas dibujando, ahora a lo que me dedico es a pintar más que dibujar.


¿Qué dirías sobre tu estilo?

A mí me gusta el hiperrealismo, lo más parecido a la realidad, es lo que más me llama y me tiene atrapada. En mi obra lo que hay es mucha pasión, mucha dedicación, no sé de qué otra manera describirla; yo voy pintando como me sale, eso sí, siempre trato de mejorarlo y de hacer lo que a mí me gusta.

“Uno se vuelve más exigente a medida que va mejorando; sin embargo yo me siento una principiante”

 
 

Cada uno tiene una percepción de sí mismo y en tu caso, de lo que pintas… ¿Cómo te ves a ti misma?

Es curioso porque algunas veces las personas me dicen que les gusta mucho algo que hice y a mí no me gusta, mi marido por ejemplo me comentó un día: “ya pintaste cuatro veces el mismo cielo” y yo le digo “lo seguiré haciendo hasta que no quede como a mí me gusta”. También uno se vuelve más exigente a medida que va mejorando; sin embargo yo me siento una principiante, yo no me la creo nada pero he aprendido también que tengo que mirar las cosas desde afuera para no sólo ver con el ojo crítico.

¿Como es tu día a día?

Yo quisiera estar todo el día pintando, las horas me pasan volando. Me permite no estar tan enchufada con el teléfono y con todas esas cosas en las que hoy en día uno está atrapado. Siento la pintura como un regalo que apareció en mi vida, es fascinante descubrir que puedo pintar algo, independientemente de si está bien o mal para ojo de quien sabe mucho.

 

“Es fascinante descubrir que puedo pintar algo, independientemente de si está bien o mal para ojo de quien sabe mucho”

 

Si pudieras aprender de algún artista de otra época, ¿quién sería y por qué?

A mí siempre me gustó Sorolla, siempre. Todas sus obras me parecen espectaculares, además me impacta la forma en la que el pintaba para esa época, en sus pinturas pueden aparecer cosas antiguas, pero al mismo tiempo detalles muy modernos que bien podrían ser de hoy en día, hay cuadros que si los miras podrían ser de ahora.



La pintura como muchas otras cosas, también tiene algo de planeación… ¿Cuál es tu proceso para empezar a pintar un cuadro?

 

Mira cuando yo estoy pintando un cuadro y sé que me queda poco porque ya lo estoy terminando y estoy en los últimos detalles, yo ya empezó a buscar otro: una imagen, un paisaje, una foto; no puedo quedarme sin algo para pintar. Si no es como quedarme sin crear, yo cuando estoy acabando uno ya estoy empezando otro, por eso en dos años hice como 36 obras. Actualmente yo sigo tomando clases, entonces a eso le dedico seis horas semanales a aprender y luego en mi casa le dedico dos o tres horas al día.


En varios de tus cuadros hay personas de espaldas, con los ojos cerrados o cubriéndoselos, o directamente no sale la cara, ¿esto tiene algún motivo?

No, no es por nada. Es porque de donde yo saco la imagen es así, por ejemplo el de la miel salió de un taller, yo fui a un workshop y cuando llegue lo único que quería era pintar ojos, yo tengo pintado un cuadro de ojos porque en ese momento era lo que más quería. A mí me encanta pintar rostros, tengo retratos también, pero en el caso de los rostros es muy difícil lograr que te quede como realmente la persona es, porque si no hay algo raro.



El azul predomina en tu paleta de colores, ¿dirías que es el color sello de tu trabajo?

Sí, podría ser. El azul, las playas, el mar y el cielo; todo eso me atrapa. Tienen tantos tonos dentro de esa gama y yo siempre procuro pintarlos lo más parecido posible a la realidad.

 

 

Vivimos en un mundo apresurado, hasta caótico. El tiempo ha tomado un significado diferente, quizá hasta más importante y Virginia lo sabe. Ella, que confiesa ser bastante impaciente, al momento de pintar deja todo atrás y simplemente se deja ser, no permite que la premura por tener un cuadro terminado le impida disfrutar de su proceso y entiende que cada obra tiene sus propios tiempos… Como detenerse a mirar el cielo por la mañana o esos ratitos admirando la inmensidad del mar azul.

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 24 de Agosto del 2023

Entrevista Maria Castillo

MARIA CASTILLO

"A mí me parecen bellas aunque no estén en su plenitud"

MARIA CASTILLO
Instagram

Aunque María diga que le da vergüenza hablar y que se pone nerviosa, detalla muy bien el contexto de sus obras; es algo parecido a hacer un nuevo cuadro, a veces el inicio es lo que más cuesta, pero una vez ya empezado, las brochas van fluyendo solas. Lo mismo pasa con las palabras. Sin embargo, ella reitera que se expresa mucho mejor con sus manos y su obra, recordándome una frase: “Si pudiera decir lo que siento, no valdría la pena pintarlo”.

¿Dónde nace tu amor por el arte?

Toda la vida me gustó el arte, hice carrera en Bellas Artes en Argentina, desde que era niña me gustó pintar y dibujar, siempre me llamó la atención como jugaban los colores, como se mezclan, las acciones que tienen, las texturas, de hecho mezclo bastante en mi obra actual me gusta ver cómo reaccionan y las manchas que dejan, así puedo aprovechar eso en el papel, ahora estoy haciendo acuarela. Tengo especialidad en grabado y dibujo, pero me decanté por el lado de la pintura y dibujo; en mi vida he tenido que moverme por muchos lugares y me he tenido que ir rehaciendo; viví un tiempo en Colombia, luego en Brasil y ahí fue donde descubrí la fotografía y la ilustración botánica, aprendí a pintar sobre porcelana e incluso de un taller de eso después. Los temas que me inspiran siempre fue la naturaleza, lo orgánico. El hecho de dejar tu país para asentarte en otro y salir de tu zona de confort es algo complicado, todo eso he podido transformarlo en energía positiva para mi creatividad, yo antes daba clases y aquí ya no, entonces todo el tiempo que pasaba con mis alumnos ahora lo invierto en el taller.

 

¿Has tenido alguna etapa que haya sido peculiar en tu carrera?

Durante la pandemia pasó algo bastante curioso, en Argentina el encierro fue muy largo y tuvimos que acomodarnos con lo que teníamos para trabajar. Yo tengo una amiga que trabaja en la floristería, suele armar ramos de flores y cuando ya no los necesitaba más o los descartaba por alguna razón yo los buscaba en casa de ella y los fotografiaba con diferentes fondos, siempre con fondos primarios, azul o amarillo dependiendo del ramo. Fue una serie oscura pero creo que también hablaba de la situación que estábamos viviendo todos, el encierro esa cosa de estar sobrecogidos, yo lo saqué a través de estas fotografías, las flores me gustaba fotografiarlas no cuando estaban en su belleza máxima sino empezando a decaer, a mí me parecen bellas aunque no estén en su plenitud digamos. Serie meditaciones sobre la belleza.

“Al elegir una obra de arte tienen que escoger una que les guste mucho, porque los va a acompañar el resto de su vida”

 

¿Cómo definirías el arte?

Como una forma de vida, una forma de ver el mundo y una forma de comunicarse con el exterior. Yo me comunico a través de mi arte, lo expreso a través de él y me parece que también es una emoción social por así decirlo, porque sé que la persona que me compra va a alegrar su vida al menos en el momentito en el que se siente en su sofá y la mire, quizás está pasando por un momento triste y me gusta pensar que mis obras los acompañan. Por eso a mis clientes les digo que tienen que elegir algo que les guste porque los va a acompañar el resto de su vida.

 

Al visitar tus redes sociales se percibe que hay varias series, ¿trabajas sólo en series o haces cosas individuales?

Algunas veces hago cosas individuales, pero normalmente hago series. Es como un músico cuando practica, de esas prácticas salen las series. Siempre empiezo por una y luego ya se me está ocurriendo otra, y cuando estoy en ese éxtasis de inspiración compro más blocs, utilizo más materiales, porque claro a la acuarela que dejarla descansar entonces puede que incluso esté trabajando en dos o tres al mismo tiempo. Por eso es muy difícil que yo haga un cuadro individual, es como que elijo un tema y lo exprimo.

 

“El trabajo en el cuadro es como una comunicación de ida y vuelta, mi papel como creadora y luego la otra parte me responde”

 

Y de estas colecciones, ¿hay alguna a la que tengas un especial cariño?

Hay una la que le tengo mucho cariño, es una de mis favoritas y se llama “Metamorphosis” es muy importante para mí porque en esa época yo llegué a España, fue como plasmar una transformación dolorosa para dejar lugar a algo diferente, la nueva vida en un nuevo país. Es una serie muy sensible, muy luminosa por todo lo que expresa, la transformación, el dolor de lo que uno deja… Incluso esta serie tiene cortes, rajaduras, tiene costuras con hilo, yo creo que lo manifiesto de esa manera.

¿Has experimentado con otras técnicas o te gustaría hacerlo?

Por ahora te diría que me quedo con la acuarela, mis acuarelas no son sólo acuarelas, tienen crayones o tinta, algunas tienen hasta pedacitos de sales que yo pongo para darle textura, coloco sal y a veces depende el papel que uses como que se derrite junto con el agua y queda pegada, entonces le da como un brillo y una textura jugosa. Había trabajado muy poco en tinta china y acrílicos, y esto surgió ahora a raíz de las clases que sigo tomando, cada semana hacemos algo diferente y he descubierto muchas cosas mediante la investigación y experimentación.


¿Entonces cómo vas eligiendo los materiales con los que vas a trabajar, previamente seleccionas crayón, acuarela, etc o van fluyendo?

La obra me lo va pidiendo. Yo parto de fotografías que tomo y empezó a trabajar sobre esa fotografía, la foto en sí realmente sólo es una base nunca la hago igual, es un disparador porque no la copio, pero quizás me gustó la luz o la composición, la textura que tenía o lo que sea. De ahí sí que me sale la gama de colores que voy a ocupar, pero después una vez que estoy en medio del trabajo el cuadro me va pidiendo agregar cosas, color, crayones, van fluyendo y es como una comunicación ida y vuelta con la obra, mi papel como creadora y luego la otra parte me responde y me pide también.


Eres una persona que tiene una conexión bastante fuerte con la naturaleza, ¿porque elegiste ese tema como inspiración?

Es con lo que yo me siento identificada, me siento cómoda y me da muchísimo material tan sólo con salir a caminar y ver yo ya vuelvo a mi casa con un montón de ideas. La naturaleza es muy rica en cuanto a formas, colores, estructuras o diferentes texturas, hasta los perfumes, todo te inspira.



¿Has pensado en llevar tu trabajo a otras fronteras, es decir, pintar en más cosas que sólo en lienzos?

Si tengo ganas de hacer una línea comercial y diseñar unos manteles, o una vajilla con mi serie de botánica, pero botánica contemporánea y esa tiene muchos colores. Incluso me gustaría hacer bolsos o hacer algo utilitario como yo le llamo, algo como para la casa.

MARIA CASTILLO

 

 

María trabajó mucho tiempo de maestra, ahora dice que no se plantea volver a dar clases por un tiempo porque para la enseñanza tienes que dar, y dar mucho. Pero aunque ella no se dé cuenta, de alguna manera nos sigue enseñando. Una de las lecciones que podemos encontrar en su trabajo es la de la ambivalencia: aquí dolió y aquí sanó; así nos muestra por ejemplo en su serie “Metamorphosis”, lo poéticas que pueden resultar algunas cicatrices, que después de sanar, pueden dar lugar a la belleza.

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 2 de Junio del 2023

Entrevista Ana Ribagorda

ANA RIBAGORDA

"Se convirtió en uno de los aspectos más importantes de mi vida"

Perfil
Instagram

Ana, a diferencia de muchos artistas que tienen sus principios en la infancia, no se vio inmersa en el mundo del arte sino hasta sus 38 años. Ella lo dice: “Me interesé primero por las acuarelas y los lienzos, y una vez que empecé, entré en un mundo que me encanta y se convirtió en uno de los aspectos más importantes de mi vida”. Ella reitera que se enamoró de pintar, como quien tiene un flechazo de esos, que con sólo una mirada sabes que te van a revolucionar la vida. 

Dices que tienes una manera de crear intuitiva, ¿cómo influye esto en tu proceso de creación?

Mi proceso es también mucho como de momentos del día, tengo determinados en los que tengo más facilidad para pintar, casi siempre después de que he descansado me levanto con ganas y con la intención de pintar de una manera más clara. Entonces me enfrento siempre al lienzo en blanco y no sé lo que voy a pintar, yo no puedo decir: Quiero pintar un paisaje y me pongo a hacer un paisaje, no. Nunca sé lo que voy a pintar, simplemente empiezo a darle color porque yo trabajo color, no el dibujo. Es abstracto nunca es realista, aunque intente parecerse a la realidad. Sobre todo pinto flores, lo que más me gusta es el color entonces me dejo llevar por los colores, trabajando con ellos en la mano, ni siquiera utilizo una paleta, trabajo directamente con el bote de pintura, el pincel y la mayoría de las mezclas las hago en el propio lienzo o en el pincel para que los colores se mezclen en la tela a base de capas super puestas. Pero no hay un trabajo previo ni de elegir los colores, simplemente tengo las bandejas llenas de tonos en mi estudio y voy cogiendo según me va marcando el subconsciente. Esto es un poco a ciegas, no hay ideas preestablecidas.



¿Entonces no tienes una paleta de colores fija o ciertos tonos predilectos?

No, si bien tengo todos los colores, cientos de ellos pero también es cierto que mis cuadros tienden a usar tonos fuertes, el magenta, el azul y colores flúor. Suelo hacer colecciones muy coloridas, los colores oscuros como el negro, gris, tierra sí los uso pero para dar profundidad, salvo que sea una colección con fondo negro para que sea más dramático, pero en general mis paletas de colores son alegres.

“Los que pintamos, vemos la vida con otros ojos, siempre vamos fijándonos de una manera especial en los colores, las sombras”

 



En tus redes vemos cosas vibrantes y coloridas pero al mismo tiempo hay paisajes y temas relacionados a la naturaleza, ¿dirías que esa es tu mayor inspiración?

Sí, mi estudio lo tengo en el campo y es mi principal fuente de inspiración en todos los aspectos, tanto en la pintura como en mi vida, el contacto con la naturaleza porque yo vivo en Madrid en la ciudad, el contraste ciudad-campo es muy fuerte y todos los fines de semana intento desconectar en el campo y es donde más me fijo en los colores, los que pintamos siempre vamos fijándonos de una manera especial en los colores, las sombras, todo eso lo saco yo del campo, es donde más me inspiro.


¿Cómo es tu estudio? ¿qué ambiente podríamos encontrar ahí?

Bueno yo tengo una “casa” en el campo, bastante pintoresca, no es una casa al uso y hay una zona destinada al estudio que es sólo para mí y suelo pintar ahí sola, con música o a ratos en silencio. Tengo también una estufa de leña para el invierno y cuando hace buen tiempo suelo salir a pintar fuera porque tenemos un patio amplio y me encanta.

 

“El arte es un canal, es terapia. Es una manera de ser y estar; es también un refugio del mundo”

 

¿Has soñado con llevar tu trabajo a un lugar en específico?

Sí, ahora mismo, trabajando con AGAPHE y a esta edad donde ya llevo un montón de años pintando, estoy emocionada por poder exponer primero, en donde me llevéis de la mano. En ese sentido me dejo aconsejar y a donde nos lleve la vida.



Llevas varios años pintando, ¿durante el tiempo de pandemia se vio afectado tu trabajo artístico?

Tengo algunos cuadros publicados en pandemia que son precisamente los dos más oscuros que tengo: un barco naufragando y un faro, yo viéndolos ahora desde otra perspectiva veo que fue una etapa más oscura. Primero porque tuve que pintar aquí en el piso de la ciudad, no es la misma inspiración y luego las circunstancias me hicieron llevar estos cuadros a otra faceta. La gente me dice que son cuadros más tristes, sobre todo el del faro. Son más en consonancia a la situación que estábamos en ese momento.



Le pones mucho de ti a cada cuadro, de tus emociones en el momento pero, ¿también incluyes cosas de personas cercanas a ti?

No, no. No son retratos. Si hay algo de personas, son imaginarias, inexistentes.



¿Hay algún elemento (objeto, color, un tipo de flor) que repitas mucho al pintar?

Pues sí, la rosa. Pero claro hay rosas distorsionadas, no son reales, aunque en el fondo tengo el patrón de las flores de una manera muy específica.



¿Crees que el artista nace o se hace?

Las dos cosas. Se hace, porque es necesario el trabajo, sin él no hay mejoría ni evolución; pero también nace, porque te tiene que salir de adentro las ganas, sino te nace nadie te lo puede imponer.



El arte es...

El arte en cualquiera de sus formas es un canal, un canal para poder expresar. Un canal que nos conecta con algo interno. Es una forma de hacernos sentir, como la música por ejemplo. El arte de igual manera nos comunica con un mundo etéreo, sensible. El arte para mí también es terapia, es una manera de ser y estar en el mundo porque sin él yo no podría estar; es mi manera de vivir. Es un refugio del mundo, porque yo me aíslo y me sano.

 

 

Ana que se dedica a la enseñanza y dice que es su otra vocación no sigue las mismas normas a la hora de pintar. Cuando uno va a la escuela aprende imitando al profesor, copiando, es así como logramos hacer ciertas cosas; pero en el arte, se refleja otra faceta de Ana. Sus cuadros son y serán siempre una sorpresa, tanto para ella como para los que somos espectadores de su trabajo, nunca sabe a lo que se va a enfrentar, pero hace caso a un poder interior que reside en cada ser humano: la intuición. Así, sus pinturas intuitivas nos llevan de la mano en el camino de apreciar lo que nos rodea.

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 7 de Junio del 2023

Entrevista Zari Philips

ZARI PHILIPS

"I want my art to make people’s homes feel either serene or joyful"

Zari Phillips
Perfil
Instagram

From the range of neutrals that reflect serenity to vibrant reds full of passion. This is how varied the work of Zari Philips is, who since she was a child showed a love for art. In her paintings we can find several facets of her: her minimalist style with black and white lines, her freshness and joy like the colors of the sky or the waves of the sea, and her taste for fashion and trends that she reflects in daring silhouettes made of vibrant tones.

Did you choose painting as a means of expression? Or do you think that painting chose you?

Maybe a bit of both! My grandma and great grandma were very talented artists and worked with oil paints. My grandma bought me my first set of oil paints and taught me how to paint and mix colors. Although, both my grandma and my great grandma were focused on realism, but that wasn’t my strongest skill. After years of practicing on my own for fun, I found my own joy in abstract painting. I love how abstract work can mean different things for anyone who lays their eyes on it. Whatever I’m feeling in the momentwhether it’s relaxed, happy, sad, nervous, or in love- I like to express that or alleviate it through putting together colors that I love.



How do you describe your style?

My style of painting is abstract, mostly focused on colors and texture. Although, I do many pieces with the underlying theme of sunsets and clouds. I love painting the sky because there are so many gorgeous color tones involved, and I love the idea of when people stop for a moment in their busy lives to marvel up at the sky when it’s perfectly blue or has a nice sunset.

“I love the idea of when people stop for a moment in their busy lives to marvel up at the sky when it’s perfectly blue or has a nice sunset”

 



Your paintings vary from neutral tones to vibrant colors like reds or greens, how do you choose the colors to use?

I choose whatever I feel in the moment, or when I’ve been struck by inspiration through anything in nature or in fashion. If I see a gorgeous cotton candy sky sunset or a runway show where everything is hot pink- I immediately want to try out all the possible pinks to see what looks nice together. In the same way, if I want something more calming and peaceful- I will work with neutral tones and focus on the texture of each stroke of paint, like butter. I do a lot of layering in my work. Most of my paintings have a happy feel, I want my art to make people’s homes feel either serene or joyful. 

Has any artist influenced your work?

A few of my favorite artists are Christiane Spangsberg and Flore. Spangsberg does these amazing abstract paintings and one-line drawings. I do some illustrating as well, and her one-line drawings greatly influenced that. You can see so many different pictures within her one drawing, beauty is in the eye of the beholder for her work. Also, I met her during her exhibition in New York and she was so kind and inspiring- I love seeing the personality behind the art. Flore makes these abstract pieces with a million wild colors painted on the canvas- they are so fun and playful and bring so much life to a room.

 

“I truly believe that anyone can make art, if they do it
with confidence and put genuine emotion into it”

 

I see you like fashion, how do you relate it to your creations?

Yes! I am also a luxury personal shopper for a big fashion tech company. So I am constantly looking at trends, visiting stores, and shopping for clients. I am very inspired by current color trends in fashions, across the luxury brands, to direct what color palettes I use for my pieces.


For Zari Philips, what is art?

Anything can be art! Anything that anyone creates that makes them feel happy can be considered art. For me- my art form is creating or viewing pieces that evoke some sort of feeling. I want my art to be something that people stop to look at and feel either excitement, joy, peacefulness, passion, or inspiration. But I truly believe that anyone can make art, if they do it with confidence and put genuine emotion into it.


Would you say that your personality is embodied in every painting you do, no matter how different they are from each other?

Yes, definitely. I am generally a pretty joyful and passionate person- I think anyone who knows me would say that- and that’s what I want my art to feel like. I want the colors to bring a light feeling into people’s lives.


What do you want to convey to those who see your work?

I’m really bad at slowing down, but I want to convery the idea that people should take the time to slow down and enjoy things in life. Stop to enjoy the sunset at night, go sit by the ocean to watch the waves, take a moment to look up at the clouds, and wake up to enjoy quiet mornings at home.


Where does your inspiration come from?

My inspiration comes mostly from nature, travel, and fashion. In nature, I am inspired by the sky, flowers, and the ocean. In travel, I am inspired by the color palettes of different cities through their buildings and environments. In fashion, I am inspired by the trends that show up in every major brand every season.



How is your creation process?

It depends if I’m painting for myself or if I’m painting a custom piece for a client. For myself, I like to experiment with new designs, new colors, and new techniques to see what is interesting. I love to look at Pinterest, mostly at fashion or travel photos, to get inspired by color palettes. But if I am painting for a client, then I am focused on color matching to any furniture in their home or any images, so that the piece will fit in perfectly with their space.

 

 

One of the greatest virtues of the artist and what gives her her personal stamp is her sensitivity. In this chaotic and fast life that we lead, it´s a breath of fresh air to remember the wonders that nature offers us; in the same way that when we find in a painting, the memories of an afternoon with loved ones watching the sunset. Or the salt in the body after a day at the beach. That is what we can find and recognize in the works of Zari Philips.

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 17 de Mayo del 2023

Entrevista Jussandra Travassos

JUSSANDRA TRAVASSOS

"Prefiero la soledad para dejar mi creatividad volar"

Jussandra Travassos
Perfil
Instagram

Jussandra ofrece una sonrisa que le llega a los ojos cada que se dirige a alguien. Muestra con orgullo sus esculturas como una madre presume a sus hijos, porque
al final de cuentas ambos son eso, creaciones. La alegría por la vida se ve reflejada en las formas y colores de su trabajo, juega con ellos. Si un día te la encuentras, te contará con acento brasileño su trayectoria y lo mucho que le apasiona crear sus esculturas.

¿Por qué la escultura como medio expresión?

Porque a través de ese medio logro crear obras que pueden transmitir de mejor manera el sentimiento de fluidez y movimiento que representan mis obras, al igual que la sencillez y naturalidad con la que parece que fueron realizadas.



¿Consideras que tus obras van dirigidas a un solo segmento del público?

No, mis obras en realidad son para todas las personas que se sienten atraídas por la simplicidad elegante y fluidez de la vida.

“Encontrar el material perfecto para crear mis obras me tomó muchos años”

 



¿Te has inspirado en la obra de otro artista o te ha influenciado de alguna manera?

Si, en realidad son varios los artistas que me han inspirado, sin embargo, lo que más me llama a la creatividad son las cosas que me rodean en el día a día. Mis principales motores inspiracionales son México y Brasil. México con su diversidad cultural y su histórico desarrollo artístico (colores, formas y artistas) y Brasil principalmente con los orixas que son los dioses del Candomblé que representan las fuerzas de la naturaleza.


¿Qué le dirías a tu yo de los inicios, el que empezaba su carrera?

Le diría que no se rinda, que siga buscando el material perfecto para plasmar sus ideas y que no tenga miedo de los errores, que se apoye en sus familiares y seres queridos y que siga su corazón.

 

“El arte es mi forma de exponer quién soy en mi manera más pura y real “

 

Si un día visitamos tu estudio, ¿qué podríamos encontrar ahí?

Encontrarían los materiales con los que trabajo, los materiales experimentales con los que podría llegar a crear nuevas obras, muestras de colores, placas metálicas y polímeros, fotos de mi familia ya que son mi mayor apoyo e inspiración, una bocina con la que igual me relajo trabajando al escuchar música y mi máquina de café ya que con tantas horas que paso ahí dentro la utilizo bastante.



A muchos artistas no les gusta que vean sus obras mientras están en proceso, ¿a ti te incomoda que vean algo aún no terminado o no tienes reparo en mostrarlo?

En realidad me gusta que vean el proceso de creación ya que con obras aparentemente tan sencillas es de suma importancia que conozcan lo que conlleva en realidad el crear una obra así, las horas de ajustes y la atención al detalle para llegar a la perfección de la fluidez en un material extremadamente rígido son lo que verdaderamente hacen de mi trabajo lo que es finalmente.


¿Puedes trabajar con gente a tu alrededor, en la misma habitación, o prefieres la soledad?

Prefiero la soledad ya que así logro llegar a un estado mental ideal para dejar mi creatividad volar y empezar a trabajar sin que este sea interrumpido de ninguna forma.



¿Hay algo que te gustaría que la gente supiera de ti?

Me gustaría que supieran que en verdad me apasiona mucho mi trabajo y mis creaciones, me enamoro de cada escultura que finalizo y cada obra que sale de mi estudio es única. Siempre estoy innovando para poder llegar a nuevos horizontes artísticos y mis obras deben constantemente mantenerse fieles a mí en todos los aspectos, a mi lado como madre, como esposa, como hija, como amiga, y principalmente a mis valores como persona.



Para ti el arte es...

Para mí el arte es mi forma de expresión máxima, mi manera de transportarme a mi propio mundo y dejarme llevar por mi corazón, por mis sentimientos y por mis pensamientos. Es mi forma de exponer quién soy en mi manera más pura y real, sin nadie que me juzgue o que me detenga y así manifestar mi fidelidad personal hacia el mundo y hacia las personas que me rodean.

 

 

El trabajo de Jussandra es ambivalente: a primera vista podría parecer algo pesado, rígido, duro. Pero cuando uno se acerca a conocer las piezas entiende que es exactamente lo opuesto; es ligereza, fluidez y movimiento. Algo del encanto de la artista también está en dejar ser a las esculturas, que ellas decidan su forma y su textura, que le hablen y le digan de qué color les gustaría ser; así se fusionan persona y obra.

 

 

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 21 de Marzo del 2023

Entrevista José Luis Galván

JOSE LUIS GALVÁN

"Se me atravesó la pintura. La pintura me obligó"

Perfil
Instagram

Conejos, óleo y el arte como necesidad

José Luis empieza a hablar con una voz que esconde una sonrisa, quizás una sonrisa nerviosa.
Dice que a veces le cuesta hablar en público y que se considera un tanto tímido, cosa que no adivinarías al ver sus cuadros, en los que en cambio sí se nota que es un fiel admirador de Velázquez y Rembrandt. Mexicano de nacimiento que siempre se ha inspirado, sea el lugar en el que esté, observando su entorno. Recientemente vivió en Países Bajos y esa época le   inspiró una exposición completa.
Lo primero es saber cómo se vio involucrado en el mundo del arte “empecé tarde, porque la mayoría empiezan a los 14, 15 años. Yo no tenía pensado dedicarme a esto… Pero se me atravesó la pintura. La pintura me obligó” comienza a platicar. Yo siempre he pensado que el arte puede salvar vidas, le digo. Conmigo lo ha hecho una y otra vez, responde.
Si pudiera resumir su obra en una sola frase sería: “Mi obra es una especie de experimentación constante, una búsqueda por nuevas maneras de hablar, no tanto por lo que digo. Me explico, nunca me ha interesado lo que tengo decir, no creo que sea alguien que tenga algo importante que decir, pero me he enfocado mucho en encontrar una manera muy mía   de decir las cosas”.

¿Consideras la pintura como medio de expresión personal?

Sí, de hecho, yo era una persona que no hablaba mucho, no comía en público ni siquiera con mi familia. Prácticamente no me gustaba la gente. Pero cuando empecé a pintar podía expresarme y a la gente le gustaba, ahí he podido sacar muchas inquietudes, emociones… Todo ha salido por ahí.



¿Te gustaría mantenerte en este mismo estilo o quisieras probar diferentes técnicas más adelante?

Si pudiera resumir su obra en una sola frase sería: “Mi obra es una especie de experimentación constante, una búsqueda por nuevas maneras de hablar, no tanto por lo que digo. Me explico, nunca me ha interesado lo que tengo decir, no creo que sea alguien que tenga algo importante que decir, pero me he enfocado mucho en encontrar una manera muy mía   de decir las cosas”.

“Cuando empiezas a sentirte cómodo ya nada te sorprende, ya nada te impacta”


Pasar mucho tiempo solo, donde sea que esté, pero solo y luego salir afuera y dedicarme a observar. Sé que puede ser molesto porque al menos en Países Bajos la gente se extrañaba. Imagínate: viví en un pueblo pequeño, salía a andar en bicicleta y me detenía frente a sus puertas, ventanas entonces les extrañaba. Pero siempre mi proceso ha sido observar.

Hubo un punto de mi vida en el que me di cuenta que cuando empiezas a sentirte cómodo ya nada te sorprende, ya nada te impacta. Yo necesito salir e impactarme con algo nuevo, renovarme, y luego regresar a casa y dibujar lo que venga, así es como funciona mi trabajo.

Para ti, ¿qué es el arte?

Hay muchas definiciones de libro, ¿no? Pero en mi caso, y es gracioso porque gracias a un programa de televisión de supervivencia me di cuenta de que es una necesidad. Yo no sabía explicar qué es el arte y creo que ese es el problema, que muchos no sabemos qué es y le estamos buscando una razón; pero de lo que sí estoy seguro es que el arte es una necesidad humana, que en el momento en que las otras necesidades básicas como comer están saciadas, se nota que empiezas a necesitar algo más.

 

“Pinto muchos animales porque así la gente no lo relaciona con una persona y les es más fácil identificarse con ellos o su historia”

 

¿Hay algún elemento que repites mucho en tus cuadros?

Dos cosas. Los animales, a mí me dicen que pinto muchos animales pero eso va acorde a mi ideología y yo les digo que somos animales; a mí lo que me sorprende es que no se pinten más, hay muchos modelos en la naturaleza como para que nos dediquemos a uno. A veces el arte es muy serio y estaría bien ser más desenfadados. Y la otra cosa es el conejo: no hay expo que haga donde no haya conejos, me trae muchísima suerte. Siempre que he tenido problemas en mi vida pinto conejos y algo bueno pasa, sonará esotérico, pero son mi amuleto.



¿Qué es lo más curioso que alguien te ha dicho viendo una obra tuya?

Me ha pasado que a veces la gente les encuentra más significado delque yo les doy y me sorprende lo que me han llegado a decir. Yo tiendo a hacer deformación en la anatomía e hice un personaje que parecía una especie de botella, una persona se me acercó me tomó del hombro y me dijo: “Sí, yo también estuve igual que tú, yo también tuve esos problemas con el alcohol” y yo dije uy,esta persona se vio reflejado en el hombre botella. Es fuerte, me llama la atención cómo una pintura puede entrar hasta ahí, es increíble cómo en las pinturas encuentran algo de ellos.
Por eso no soy alguien que sus pinturas cuenten una historia complicada o una historia obvia, me gusta hacer cosas más universales, de hecho muchos de mis personajes son animales eso ayuda muchísimo porque la gente no lo relaciona con una persona en sí, pueden ponerlo en su historia.



¿De todo tu catálogo tienes alguna pieza favorita?

Se llama “Sin título” y fue mi primera pintura, es una especie de cena con personajes muy barrocos, muy Velázquez… Un cerdo, un ratón, un conejo y me pinté a mí mismo como si fuera un niño pequeño junto a los animales con un sombrero de conejo. Se me quedó muy grabado y desde ahí seguí haciendo conejos.



¿Qué le dirías a alguien que quiere dedicarse a esto?

Que tienes que pensar mucho en el asunto del mercado, si te quieres dedicar a esto tienes que tener el respeto suficiente como para saber que también tienes que poner atención a este lado mercadológico, hoy en día quien no está en redes sociales no existe. Tienes que ser multidisciplinario y saber hacerte ver de manera original, que las personas te reconozcan sin ver tu firma porque sino te vas a hundir en esta marea de hoy en día.

 

“Lo mejor de mi trabajo es pintar, todo lo demás es cansado, lo bonito de mi trabajo es hacerlo”

 



José Luis se despide agradeciendo a la galería por ayudarle a cumplir su sueño de exponer en España, lo tuvo muy claro siempre, quería exponer en la tierra que vio nacer a Velázquez. 

Al final del día de esto se trata, de impulsar a artistas de todo el mundo y poder difundir su talento, porque andando solo se llega rápido pero acompañado se llega más lejos.




Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023

Entrevista Katrina Koltes

Katrina Koltes

"The more I painted the more I improved and discovered my voice and style"

Katrina Koltes
Perfil
Instagram

Fairies, mermaids and other entities in a blue world

Katrina envolve us in her magic world, full of creatures, celestial bodies and shine. As if suddenly we were in another dimension and everything known turns mystical… Talk to her is like speak with a fairy, sometimes with crown included, because the artist not only make paintings, she also makes jewerly with the same ethereal touch with wich she paints.

 

At what point did you realize you wanted to be a painter?

Ever since I was little I’ve always been an artist. I come from a very artistic family. My mom was an artist, as are most of my brothers and sisters – whether it be painting, acting, or singing, etc. Unfortunately, when I was a young teenager I suffered from a trauma that made me abandon my creativity for many years. It was only once I was in my thirties did I rekindle my passion for painting, and start pursuing my dream of being an artist.

 

How did you get to the style you have now?

It took me many years and many mediums to finally find my process and what works for me. I practiced and mastered many mediums: watercolor, pastels, mixed media, oil – until I found the right balance of combining them to get the effect I wanted. But most of all, what helped me find my style was painting every single day – even if that meant staying up at nights – as I realized the more I painted the more I improved and discovered my voice and style.

 
Katrina Koltes
Katrina Koltes

What do you want to convey with your paintings?

I want to convey magic, power, and strength with my paintings. Art has healed me, and continues to do so. I strongly believe in the power of art, and how it can have a visual impact on our life. Art can move us to tears, can make us feel powerful, can make us smile, and it can give us the inspiration we need to keep going and reaching for our dreams.

 

 

“I want to convey magic, power and strength with my paintings. Art has healed me, and continues to do so”

 
 
 
 
 
 
 

Would you say that blue is the most representative color of your creations?

Blue has always been my favorite color because it gives me a sense of peace and that magical, ethereal feeling. I love to use the power of color in my art. For example, if I want to empower and ignite passion and inspiration I will use warm tones, pinks and reds. If I want to create a more ethereal and spiritual feeling I will use more soothing tones like blues, teals, and purples.

Where do you get your inspiration from to create that magical aura that characterizes your paintings?

I have always felt like I have one foot in this world, and one in another. Ever since I was little I could see, sense, and feel other beings and realms that we can’t see with our human eyes. When I was child, and then later in my teens I saw and experienced many painful things that made me want to escape these harsh realities for a little while. I learned that through meditating, dreaming, and letting my mind wander, I could visit these wonderful places, where there is no suffering and anything is possible. In this past year with my mother’s fight with cancer, and as I was close to her bedside during her passing, I felt a very strong connection with the spirit world and was given some glimpses of the other side.

 

 

“Sometimes art can reveal that magic we have a hard time seeing otherwise”

 
 

What do you like to paint the most?

I mostly paint women because they are a reflection of myself, what I have been through, my healing journey, and my inner strength. Through my art I want to inspire other women to feel empowered and discover their own inner magic, as I have.

I also love to paint mystical and magical creatures as I have always felt deeply connected to the otherworldly realms.

How is your creation process?

I usually start with a vision in mind, but like to stay very open to how it evolves. When I am in that creative space everything around me falls away and it’s just a conversation between me and the canvas, and what my heart and soul wants to say. I often start my first layers with lots of fluid paint, big brush strokes, and expressive spray paint. Then as it evolves I start to pull out the forms, and add more and more detail till it all comes together in a beautiful symphony.

 
Katrina Koltes
Katrino Koltes

Do you prefer to paint during the day or at night?

I used to have to paint during the night when I was just starting out with my art business, as I worked full time in the airport during the day, and had small kids. The only time I could paint was in the middle of the night – which meant I often didn’t get to sleep very much. Now that I am a full time artist I prefer to paint in the mornings when my energy is the highest, and with lots of natural daylight. I am an air sign so my home studio is the brightest room in our apartment , with lots of natural light, crystals, plants, and good vibes.

 

What is the most curious thing that you have been told about any of your paintings?

I’ve often been told by my collectors that I have painted a specific scene in their dream, or vision. I love when this happens as I often feel I am painting for a specific person, and it just flows onto the canvas. I’ve also done many soul portraits for people where I tune into their energy, and aura. I paint their soul, how I see them: their gifts, their dreams, their strengths. Sometimes art can reveal that magic we have a hard time seeing otherwise.

 
Katrina Koltes
katrina koltes

If you could be a magical creature, what would you be?

Since I was a child I have always had very vivid dreams of flying or swimming and breathing underwater, almost like they are real memories from other lifetimes. So I would probably be a sylph fairy or a mermaid.

 
 

How you describe your mysticism?

My mysticism is a part of me, it’s who I am. I have always felt myself to be part of something bigger, something we cannot see, but sense and know deep down. I know I am meant to share my visions of the unseen realms and paint them for the world.

 
 
 

The magic of Katrina ́s works isn ́t only in being able to see her inner world, but in that if you keep your senses open and give yourself the opportunity, you may end up believeing in mermaids and winged creatures or, recognizing your animal spirit in one of the artist ́s canvases.

 

Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023

Entrevista Marcos Perez

Marcos Pérez

"Tenía que inventarme algo que funcionara según mis necesidades"

Marcos Pérez
Perfil
Instagram

El artista de las texturas y los relieves

Yo nací dibujando, es lo primero que me dice Marcos Pérez. Su papá que es músico lo dejaba rayar las paredes, como a muchos de nosotros nos hubiera gustado, y creció rodeado del ambiente del arte, entre dibujos, música y poesía. Se graduó de Artes visuales y luego estudió restauración de obras de arte, le gusta prepararse y sigue en eso. Es una persona muy religiosa que le agradece todo lo que ha vivido a Dios y también es la prueba viviente de cuando algo en realidad se quiere, se puede.

 

¿Cómo describes el trabajo que haces?

Pasión. Llegar ahora a este punto ha sido un trabajo largo y de mucho esfuerzo, yo soy daltónico y a mí la pintura me ha dado un poco de inseguridad pese a que lo disfruto y me gusta mucho, sobre todo por el color y no fue hasta que me liberé de ese tema que empecé a mostrarle a la gente otra parte de la realidad, como yo la veo.

 

¿A qué público va dirigida tu obra?

A todo el mundo. Por ejemplo yo ahora pinto caballos, pero no sólo pinto eso; he pintado insectos, figura humana etc. Creo que todo el mundo puede entender lo que estoy pintando aunque también tenga una dosis de abstracción, no me cierro a nadie… Aunque como pinto con poco color puede ser que a las personas que les gustan mucho los colores, hablando de variedad e intensidad, tal vez se sientan ajenas a mi obra.

 
Marcos Pérez

Mencionas que pintas ahora muchos caballos y se puede percibir en tu feed de Instagram, ¿por qué elegiste ese tema?

Yo voy pintando por periodos, mi cuenta justo la cree en esta temporada que estoy pintando caballos. Vivo en el campo y siempre he estado cerca de los animales del campo pero lo que me pasa con los caballos es que representa mis anhelos. Estos animales se caracterizan por la nobleza, la libertad, lealtad y al mismo tiempo a mí me van mostrando facetas de mi proceso artístico. Además encuentro muy buena recepción del público, les gustan, así que voy a seguir explotando ese tema hasta cuando sienta que quiero cambiar.

 

“Los caballos representan mis anhelos y al mismo tiempo me muestran facetas de mi proceso”

 
 

¿Hay algún momento clave en tu carrera?

A mí siempre me ha gustado dibujar y todo eso, pero reitero que el tema del color no me permitía explotar mi potencial. Eso me tenía muy mal, estaba frustrado hasta que un día una persona al mostrarle lo que hacía me dijo: “Marcos aquí estás tú” eso fue una epifanía para mí, y es que en las pinturas, al no poder usar tonalidades, mi base fuerte era el dibujo. Pero gracias a ese encuentro fue que me conocí y acepté a mí mismo, y aquí sigo.

 

¿Qué técnica usas?

La técnica me la inventé yo. En esa epifanía yo vi dibujo pero quería congeniar dibujo con la pintura, y lo que hice fue empezar a trabajar con colores neutros y con mucha pasta. En pintura la calidad del color y el trazo hacen ver la perspectiva de la obra, pero como yo no iba a poder lograr eso a través del color, para poder reemplazar eso empecé a usar muchas texturas y relieve. No sé si haya alguien más que lo haga, al menos yo no lo he visto, pero yo tenía que inventarme algo que funcionara según mis necesidades.

 

 

“Me invente una técnica que funcionara según mis necesidades”
 
 

Cada persona tiene una definición del arte, ¿para Marcos Pérez qué es el arte?

Comunicación principalmente, comunicar a través de mis manchas, de mis trazos, de mis dibujos. Comunicar a través de la pasión. Algo que sale con fuerza como cuando una represa se revienta.

 

¿Hasta dónde te gustaría llegar con tu obra?

No sueño con algún lugar específico pero me gustaría exponer con otros artistas a los que admire, tengo la fortuna de haber expuesto en Barcelona, París… Aunque tal vez me gustaría ir a Nueva York.

 

¿Te incomoda que vean tus obras cuando aún están en proceso?

Sí, para empezar porque me cuesta trabajo saber cuándo ya está acabado un cuadro, me da algo de ansiedad y por otro lado si lo ven personas y me dan su opinión aunque yo no la pida también me incomoda, es algo muy mío y que estoy trabajando.

 
 
Marcos Pérez

¿Cómo quisieras que se te recordara a futuro?

Como una persona apasionada que gozó lo que hizo, hablo de un gozo espiritual y hasta físico; quiero que se me recuerde como una persona que luchó apasionadamente por lo que quería hacer.

 

 

 

Marcos dice que el encanto del arte también está en cuando una persona está frente a una obra, ve lo que quiere ver: pone de su alma, pone de su experiencia y su vida para interpretarla o entenderla, por eso hay cuadros que le gustan a unos y otros no, nunca será exactamente igual para dos personas a la vez.

 

 

 

 

Marcos Pérez
Marcos Pérez

Entrevista concedida a AGAPHE el 16 de Marzo del 2023